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Música Clásica y ópera de Classissima

Antonio Vivaldi

sábado 20 de diciembre de 2014


Cuestión de Sensibilidad

7 de diciembre

El Arte como Liberación

Cuestión de Sensibilidadphilippe jaroussky by Simon Fowler La verdad es que era igual que fuese el último día laborable de la última semana del mes más gris. Era lo mismo que hubiese que salir de viaje con la noche otoñal ya encima. No importaba que el cansancio y las preocupaciones se fuesen amontonando día tras día hasta dejarte exhausto. Sabes que el esfuerzo merece la pena, que la terapia es muy eficaz, y nada te arredra. Esperas el Arte con toda su carga liberadora. En mayor medida, si cabe, cuando el motivo de la excursión se llamaba Philippe Jaroussky, un valor seguro, una medicación deliciosa más aún cuando el excipiente es ciento por ciento Antonio Vivaldi. Por si todo ésto fuera poco, si a todo ello se le une algún amistoso reencuentro al calor de una taza de chocolate y unos churros de Bonilla compartidos, coges el coche como un niño en la víspera de Reyes. La cita era en el teatro Rosalía de Castro, calle Riego de Agua en A Coruña, dentro del ciclo de otoño de la Temporada Lírica. Viernes, 28 de noviembre 20:30 h. Ante todo, seamos justos: el excelso contratenor francés no llegaba solo. Como compañía instrumental se envolvía en el Ensemble Artaserse, un grupo de cuerdas y continuo de sonoridad deliciosa y elegante, perfecto envoltorio para el Arte de Jaroussky. Sus intervenciones en solitario revisaron tres Conciertos para cuerdas y una Sinfonía del prete rosso, alcanzando el cénit con el precioso RV522 para dos violines, número 8 de L'Estro Armonico, en el cual el diálogo de los dos solistas hizo olvidar por unos minutos el nombre de Philippe. Pero no nos engañemos, el mago que oficiaba, el motivo de la quedada, era un joven de impoluto aspecto y musicalidad extrema. Jaroussky hace natural al contratenor, convierte cualquier sentimiento (affetto) sea furor, melancolía, resignación, ternura… en vocalidad emitida desde una aparente facilidad, para un efecto balsámico sobre una audiencia que la recoge como un solo ser, transformando penas y fragilidades en paz y felicidad. Y si creen que estoy exagerando, pregunten a la salida de un concierto. Porque el Arte de Jaroussky  está por encima del completo dominio de todas las cualidades de la voz humana: fraseo exquisito, coloratura sencilla, articulación natural, manejo del fiato, de la regulación… No, no! su Arte radica en la expresividad, descarada y contagiosa; habita en una musicalidad tan asombrosa que parece sobrenatural. Es una continua siembra de flores vocales. Jaroussky es Música, y punto… El programa era también exquisito y bien estudiado; Vivaldi a tiempo completo, pero, con gran acierto, comenzando con piezas de su maravillosa Música Sacra, para calentar voz y audiencia. En primer lugar, el Stabat Mater RV621, dolor contenido en hermosura profundamente humana; su Eia Mater fue de arrobamiento. Fantástico el cierre de la primera parte con el motete Longe mala, umbrae, terrores RV629, otra delicia expresiva. (vídeo SJuli) La segunda parte, como era de esperar, ofreció el ataque a variadas arias de ópera: la pirotecnia vocal del aria de Argillano “Se in ogni guardo” del Orlando finto pazzo, la melancolía del aria de Anastasio “Vedro con mio dilecto”del Giustino, y las dos arias de Licida de L’Olimpiade, la plácida “Mentre dormi” y la frenética “Gemo in un punto e fremo” Tres bises y despedida a lo grande:  “Sento in seno ch’in pioggia di lagrime” de Giustino:  una maravilla en pizzicati: (vídeo KARL MORE) "Se lento ancora il fulmine" de Agrippo: el furor desatado. "Cum dederit" del Nisi Dominus RV608: angelical o arcangelical, tengo dudas. Y sin embargo, juraría que la emoción fue más intensa cuando vino a SdC hace tres años… ¡Qué cosas tiene el recuerdo!

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13 de diciembre

"Hipólito y Aricia" de Rameau

De Jean-Philippe Rameau hay dos cosas que llaman mi atención, por una parte el hecho de que compusiera su primera ópera, Hippolyte et Aricie, en plena madurez, con cincuenta años, y por otra que, aunque los especialistas lo consideren uno de los máximos representantes del drama operístico barroco, no acaba de cuajar entre el gran público, al menos fuera de Francia. Sin duda esto se debe a que la ópera barroca francesa se estructura en un recitativo muy especial, intenta respetar la prosodia del texto e introduce variaciones en la melodía en función del ritmo de la palabras, sujetas a continuos cambios métricos. Se insertan arias, pero carecen de la entidad característica de la ópera italiana, son en realidad expansiones líricas generalmente de breve duración que intentan no interrumpir la continuidad dramática manteniendo características declamatorias. Tal fue la repercusión de esa primera ópera compuesta por Rameau (con posturas a favor y en contra) que, habiéndose dedicado desde aproximadamente treinta años a la teoría musical y a componer música para clave, cantatas y motetes, decidió dedicar el resto de su carrera casi únicamente a la composición de obras dramáticas. Hippolyte et Aricie, con libreto (embrollo, diría yo) escrito por el abad Pellegrin, se estrenó en 1733 y permaneció en el olvido desde 1767 hasta 1908 (¿no es como un milagro que una obra lleve 141 sin ser escuchada y que, de pronto, se represente?), versa sobre la historia del trasgresivo amor de Fedra por su hijastro Hipólito, está basada en Phèdre de Racine, aunque se realizaron algunos cambios en la trama y otros con el exclusivo objeto de adaptar el drama a las convenciones de la ópera francesa del momento: fundamentalmente la inserción de un prólogo en forma de conflicto entre divinidades paganas (a los franceses les gustaban las apariciones divinas,  siempre por arriba, con descensos espectaculares- y las contiendas entre ellos, siempre utilizando a los humanso como conejillos de indias) y de una fête o divertissement, con sus coros, cantos y danzas, en cada uno de sus actos. Es una música, la de Hippolyte et Aricie, y de la ópera barroca francesa en general, que puede parecer sosa y aburrida en una primera escucha, sobre todo si tendemos a compararla con la tradicional ópera barroca de estilo italiano -Haendel, Vivaldi, Scarlatti, Hasse- pero que conforme las audiciones se van sucediendo va revelando sus extraordinarias complejidades armónicas e incrementando nuestro disfrute. Os aseguro que vale la pena hacer un esfuerzo por la contrapartida que obtenemos a cambio, ya dijo Campra que había en esta ópera tanta música como para componer diez. Os dejo un fragmento de la producción de Jonathan Kent para el Festival de Glyndebourne 2013, es una propuesta muy comestible, para algunos puede que incluso indigesta.  el prólogo es una escena pastoral que se desarrolla en el marco de una nevera abierta (así es imposible negar que la propuesta es muy fresca), entre brocolis, salchichas, huevos...  A la dirección no creo que le vayáis a poner peros, se trata de William Christie dirigiendo el Coro de Glyndebourne y la Orchestra of the Age of Enlightenmen. Es el primer trabajo para la escena de Rameau y, en esta ocasión, era también la primera vez que se ofrecía una ópera de Rameau en el Festival.  Más tradicional, aunque con una estética moderna, es la propuesta que se realizó en la Ópera Nacional de París por Ivan Alexandre en el año 2012 , escuchamos el aria de Aricie "Temple sacré, sejour tranquille" cantada por Anne-Catherine Gillet acompañada Le Concert d'Astrée y la dirección de Emmanuele Haim. Esta pieza es toda una joyita. Y descansamos un poco de lo escénico para centrarnos en los musical, Les Musiciens du Louvre y Marc Minkowsky nos ofrecen piezas aisladas de Hyppolite et Aricie, grabadas en una Gala Rameau efectuada en el Teatro Châtelet con ocasión de la celebración de los 20 años de la creación citada orquesta. Acte III, Ritournelle Acte IV, scènes 3 et 4 : Choeur "Ô disgrâce cruelle"; Phèdre "Quelle plainte en ces lieux m'appelle" (Anne-Sofie von OTTER). Acte II, scène 5 : Trio des Parques "Quelle soudaine horreur" (Cyril AUVITY, Jean-Sébastien BOU, Laurent NAOURI) Acte III, scène 9 : Thésée "Quels biens !... Puissant maître des flots" (François LE ROUX) Acte III, scène 1 : Phèdre "Cruelle mère des Amours" (Nathalie STUTZMANN) Y para rematar la faena, dedicado a los alérgicos al estilo de canto francés, nada mejor que recurrir exclusivamente a la Suite orquestal de Hyppolite et Aricie, en este caso interpretada por La Petite Bande y Sigiswald Kuijken:




Ópera Perú

3 de diciembre

"Juditha Triumphans" por los 20 años del Coro Nacional de Niños

Oratorio “Juditha Triumphans” contó con un imponente video mapping interactivo (Foto: CNN Facebook)Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)Celebrando los 20 años del Coro Nacional de Niños del Perú, se organizó la presentación en el Gran Teatro Nacional del único oratorio de Antonio Vivaldi que ha sobrevivido hasta nuestros días: "Juditha Triumphans devicta Holofernis barbarie", y que fue compuesto por el compositor italiano, conocido como Il prete rosso ("El cura rojo"), en Venecia en 1716 con libreto en latín de Giacomo Cassetti, basado en el Libro de Judit, antiguo libro hebreo.Interesante apuesta del elenco dirigido por Mónica Canales de interpretar este oratorio, originalmente escrito para coro femenino, pero que en esta versión es interpretado por el elenco infantil. Vivaldi lo compuso durante sus días al frente del Ospedale della Pietà, un orfanato femenino veneciano. Es por eso que todas las voces solistas y corales son femeninas. Sigue a Ópera Perú en Facebook y Twitter"Juditha Triumphans" contiene música virtuosa y un argumento completamente operático. En su estructura en dos partes, narra la historia de Judith, heróica viuda de la ciudad de Betulia, que ante la conquista por las tropas de Nabucodonosor decide seducir al general Holofernes. Una vez que este queda prendado por la belleza de Judith, esta lo emborracha y lo decapita, con lo cual logran desmoralizar al ejército invasor y recuperar la libertad de Betulia.Las partes solistas recayeron en la mezzosoprano Josefina Brivio como Juditha, la mezzosoprano Edda Paredes como Holofernes, la soprano argentina Jaquelina Livieri como Vagaus, la soprano Chiara Solari como Abra y la contralto Rosangela Merino como Ozias. Acompañó el Coro Nacional de Niños y el Ensamble Artifex, dirigido por Luis Chumpitazi. La orquestación que requiere instrumentos antiguos, aquí se presentó con cuerdas, vientos, y otros instrumentos como guitarras (reemplazando a las tiorbas), mandolina, y un órgano eléctrónico que el director usaba para los recitativos. Todas las arias como era el estilo de Vivaldi son da capo, es decir, se repiten dos veces y en la segunda se permite el uso de adornos en que las cantantes puedan lucir sus habilidades vocales.Josefina Brivio demuestra en este protagónico que es una artista versátil. Sólo este año la hemos visto interpretar la 3ra. sinfonía de Mahler, los roles de Susuki en "Madama Butterfly" y el de Stéphano en "Roméo et Juliette". Interpretando a Vivaldi, Brivio puede hacer derroche de todas sus habilidades tanto en el aspecto dramático como el vocal, con coloraturas estrepitosas y una musicalidad impecable. Grande sobretodo en su aria "Summe Astrorum Creator", en que consuma el asesinato.La mezzosoprano Edda Paredes como el general Holofernes demuestra nuevamente su compromiso musical, con excelente presencia y sentido dramático. Es la primera vez que la veo interpretar un rol de coloratura de Vivaldi y considero que dio un buen resultado. Sería interesante verla explorar mas roles de este repertorio y ver hasta donde puede llegar la voz.La soprano argentina Jaquelina Livieri demostró nuevamente que tiene una excelente voz que demuestra una muy buena escuela. Goza de potencia, bello timbre e impecable coloratura. Un placer escuchar tan bella voz nuevamente en nuestro primer escenario. Ella volverá a Lima en 2016 para debutar el rol de Sophie en "Werther", junto a Juan Diego Flórez en el Festival Granda.La contralto Rosangela Merino da una buena interpretación en su breve rol como Ozias, con una voz clara y melodiosa, sobretodo al final del oratorio, cuando llama a Betulia al regocijo.La joven soprano Chiara Solari hace frente al exigente rol de Abra con buen resultado, pero evidentemente le falta experiencia para lograr una interpretación con completa soltura, energía y seguridad.La interpretación del Coro de Niños es satisfactoria y resulta muy interesante escuchar las voces blancas en una partitura tan virtuosa. El Ensamble Artifex da un buen resultado que podría ser mucho mejor con mayor dedicación. La dirección de Luis Chumpitazi es correcta y dinámica.Esta producción contó con la ventaja de ofrecer subtitulación en español y un montaje de video mapping realizado por Yitzhak Fowk. En este pudimos apreciar diversos cuadros de autores como Caravaggio o Allori, alusivos a la historia, que se iban intercalando de forma interactiva. Esta "escenógrafía virtual" nos permitió tener una idea visual del argumento, lo cual acrecentó la impresión de la interpretación. Aplausos por la novedosa iniciativa que esperemos se repita en otras propuestas.Fue una gran experiencia poder disfrutar de una importante obra del barroco en nuestro primer teatro. Creo que nuestros cantantes y músicos tienen potencial para interpretar estas obras. Existen en nuestro país festivales de música antigua donde tenen la oportunidad de interpretarla, pero podríamos generar mas espacios e iniciativas con grandes recursos para hacer óperas u oratorios como este. Hay obras de Bach, Handel u otros en las que nuestros jóvenes cantantes pueden desarrollar sus voces. Otro detalle interesante fue que el público respetó con silencio ambas partes, sólo aplaudiendo al final. Si bien en el teatro habían muchos familiares del elenco, es importante guardar la etiqueta y considerar al silencio como una forma de respeto, ya que aplausos espontáneos solo hacen desconcentrar al público y músicos. La continua formación de públicos es aún una tarea pendiente en nuestro medio. Aprovecho la oportunidad para jalar las orejas públicamente al departamento de comunicación del Ministerio de cultura. Sus resultados son nulos y este tipo de eventos no tienen la difusión mínima adecuada. Si aquí se publican sus actividades es por mi constante comunicación con sus directores y productores privados que me tienen al tanto con mucho tiempo de anticipación. Da pena que elencos trabajen duro y que el público no se entere, ya que no existe un envio de notas de prensa o seguimiento a los grandes medios de lo relevante que es cada producción como esta. El público que asistió el domingo al GTN fue en su mayoría compuesto por familiares de los músicos. Estoy seguro que en otro caso ese teatro hubiera estado medio vacío. Yo mismo como comunicador me enteré muy tarde y casi de casualidad por haberme topado con una de las solistas, encima la argentina. Esto es una constante de meses que no puede seguir así. El objetivo no es solo tener un teatro medio lleno, sino que se difunda para que la gente se entere de que si se hacen cosas en ese teatro.

Ópera Perú

2 de diciembre

"Juditha Triumphans" por los 20 años del Coro Nacional de Niños

Oratorio "Juditha Triumphans" contó con un imponente video mapping interactivo. (Foto: CNN, Facebook)Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)Celebrando los 20 años del Coro Nacional de Niños del Perú, se organizó la presentación en el Gran Teatro Nacional del único oratorio de Antonio Vivaldi que se ha sobrevivido hasta nuestros días: "Juditha Triumphans devicta Holofernis barbarie", y que fue compuesto por el compositor italiano, conocido como Il prete rosso ("El cura rojo"), en Venecia en 1716 con libreto en latín de Giacomo Cassetti, basado en el Libro de Judit, antiguo libro hebreo.Interesante apuesta del elenco dirigido por Mónica Canales de interpretar este oratorio, originalmente escrito para coro femenino, pero que en esa versión es interpretado por el elenco infantil. Vivaldi lo compuso durante sus días al frente del Ospedale della Pietà, un orfanato femenino veneciano. Es por eso que todas las voces solistas y corales son femeninas. Sigue a Ópera Perú en Facebook y Twitter"Juditha Triumphans" contiene música virtuosa y un argumento completamente operático. En su estructura en dos partes, narra la historia de Judith, heróica viuda de la ciudad de Betulia, que ante la conquista por las tropas de Nabucodonosor decide seducir al general Holofernes. Una vez que este queda prendado por la belleza de Judith, esta lo emborracha y lo decapita, con lo cual logran desmoralizar al ejército invasor y recuperar la libertad de Betulia.Las partes solistas recayeron en la mezzosoprano Josefina Brivio como Juditha, la mezzosoprano Edda Paredes como Holofernes, la soprano argentina Jaquelina Livieri como Vagaus, la soprano Chiara Solari como Abra y la contralto Rosangela Merino como Ozias. Acompañó el Coro Nacional de Niños y el Ensemble Artifex, dirigido por Luis Chumpitazi. La orquestación que requiere instrumentos antiguos, aquí se presentó con cuerdas, vientos, y otros instrumentos como guitarras (reemplazando a las tiorbas), mandolina, y un órgano eléctrónico que el director usaba para los recitativos. Todas las arias como era el estilo de Vivaldi son da capo, es decir, se repiten dos veces y en la segunda se permite el uso de adornos en que las cantantes puedan lucir sus habilidades vocales.Josefina Brivio demuestra en este protagónico que es una artista versátil. Sólo este año la hemos visto interpretar la 3ra. sinfonía de Mahler, los roles de Susuki en "Madama Butterfly" y el de Stéphano en "Roméo et Juliette". Interpretando a Vivaldi, Brivio puede hacer derroche de todas sus habilidades tanto en el aspecto dramático como el vocal, con coloraturas estrepitosas y una musicalidad impecable. Grande sobretodo en su aria "Summe Astrorum Creator", en que consuma el asesinato.La mezzosoprano Edda Paredes como el general Holofernes demuestra nuevamente su compromiso musical, con excelente presencia y sentido dramático. Es la primera vez que la veo interpretar un rol de coloratura de Vivaldi y considero que dio un buen resultado. Sería interesante verla explorar mas roles de este repertorio y ver hasta donde puede llegar la voz.La soprano argentina Jaquelina Livieri demostró nuevamente que tiene una excelente voz que demuestra una muy buena escuela. Goza de potencia, bello timbre e impecable coloratura. Un placer escuchar tan bella voz nuevamente en nuestro primer escenario. Ella volverá a Lima en 2016 para debutar el rol de Sophie en "Werther", junto a Juan Diego Flórez en el Festival Granda.La contralto Rosangela Merino da una buena interpretación en su breve rol como Ozias, con una voz clara y melodiosa, sobretodo al final del oratorio, cuando llama a Betulia al regocijo.La joven soprano Chiara Solari hace frente al exigente rol de Abra con buen resultado, pero evidentemente le falta experiencia para lograr una interpretación con completa soltura, energía y seguridad.La interpretación del Coro de Niños es satisfactoria y resulta muy interesante escuchar las voces blancas en una partitura tan virtuosa. El Ensemble Artifex da un buen resultado que podría ser mucho mejor con mayor dedicación. La dirección de Luis Chumpitazi es correcta y dinámica.Esta producción contó con la ventaja de ofrecer subtitulación en español y un montaje de video mapping realizado por Yitzhak Fowk. En este pudimos apreciar diversos cuadros de autores como Caravaggio o Allori, alusivos a la historia, que se iban intercalando de forma interactiva. Esta "escenógrafía virtual" nos permitió tener una idea visual del argumento, lo cual acrecentó la impresión de la interpretación. Aplausos por la novedosa iniciativa que esperemos se repita en otras propuestas.Fue una gran experiencia poder disfrutar de una importante obra del barroco en nuestro primer teatro. Creo que nuestros cantantes y músicos tienen potencial para interpretar estas obras. Existen en nuestro país festivales de música antigua donde tenen la oportunidad de interpretarla, pero podríamos generar mas espacios e iniciativas con grandes recursos para hacer óperas u oratorios como este. Hay obras de Bach, Handel u otros en las que nuestros jóvenes cantantes pueden desarrollar sus voces. Otro detalle interesante fue que el público respetó con silencio ambas partes, sólo aplaudiendo al final. Si bien en el teatro habían muchos familiares del elenco, es importante guardar la etiqueta y considerar al silencio como una forma de respeto, ya que aplausos espontáneos solo hacen desconcentrar al público y músicos. La continua formación de públicos es aún una tarea pendiente en nuestro medio.



Cantan ellas - El Blog de Maac

1 de diciembre

Philippe Jaroussky en el Palau de la Música de Valencia - 30/11/2014

Nos volvió a visitar Jaroussy, y esta vez, afortunadamente, no para cantar ante un cetáceo, sino acompañado por el Ensemble Artaserse, agrupación fundada por él en el año 2002, y con un repertorio en la primera parte que, para mí, es el ideal dada su tipología vocal, y él mismo lo reconoce cuando afirma en las entrevistas que cuando en un aria hay que mostrar un dramatismo intenso siente que fuerza la voz o que le cuesta encontrar papeles operísticos que se adapten a su voz de forma plena (cuando uno ve a un artista de la talla de Jaroussky hablar con esta humildad recupera su fe en el ser humano). Las obras sacras del barroco encuentran en Jaroussky, por su timbre tan puro y angelical (mi compañera de butaca me decía que si cerraba los ojos le parecía estar en el cielo -uno no sabe si esto es bueno o malo-, y eso que la voz de contratenor es de todas, la que menos le gusta), a uno de sus mejores servidores, pero lo mejor del contratenor francés no es el instrumento (la voz no es grande aunque se proyecta con suficiencia y resulta homogénea) sino la sensibilidad con la que lo maneja, su musicalidad,legato, facilidad para la coloratura, dominio de la respiración, su sentido del fraseo y dicción inmaculada (con Jaroussky no hay palabra que se escape). El programa, estaba  dedicado íntegramente a Vivaldi, en la primera parte el Ensemble Artaserse ofreció el Concierto para cuerdas y clave en do menor, RV 120 y acompañó al contratenor en el Stabat Mater, RV 621 y en el motete Longe mala, umbrae terrores, RV 629, entre ambas piezas vocales sacras se insertó el Concierto para arcos y clave en re mayor RV 123. Si en la primera parte el repertorio era sacro, en la segunda fue profano, y vino acompañado por dos obras instrumentales, la Sinfonía para cuerdas y bajo continuo en do mayor, RV 116 y el extraordinario Concierto para dos violines en la menor, RV 522 (L'estro armonico), con el que los dos solistas del Ensemble Artaserse obtuvieron un clamoroso éxito, y cuatro arias de ópera: "Se in ogni guardo" de Orlando finto pazzo, "Vedrò con mio diletto" de Giustino, "Mentre dormi" y "Germo in un punto e fremo" ambas de L'Olimpiade. Seguro que os habréis dado cuenta de que es un programa tan interesante como coherente (algo que no siempre es habitual) en él se repasan (en la medida en que el tiempo permite)  todas las vertientes compositivas de "il petre rosso", desde lo instrumental hasta lo sacro y profano vocal, logrando un equilibrio perfecto (excelente idea la de unir musicalmente el concierto inicial con el Stabat Mater y no dejar que los aplausos rompan la magia del momento). Como bises ofreció  “Sento in seno ch’in pioggia di lagrime” de Giustino, una joyita en la que unos violines tocan en pizzicato y otros en arco imitando el sonido de la lluvia al caer,  "Se lento ancora il fulmine" de Agrippo, un aria di furore (al menos en la primera sección y el da capo) en la que desplegó toda su furia, para terminar con "Cum dederit delectis" del Nisi Dominus, una pieza que cuando es bien servida, como en este caso, puede hacer parar el tiempo, un derroche de belleza. Seguramente Jaroussky ya no tiene una voz tan pura y bella como aquella que mostraba en el año 2001 cuando grabó Sedecia, re di Gerusalemme con Gerard Lesne para Virgin (recuerdo perfectamente las primeras veces que lo escuché, parecía que aquello no podía ser real, lo podéis escuchar aquí), pero ha ganado mucho en recursos expresivos e incluso en redondez. Os dejo la pieza con la que cerró el recital:

Antonio Vivaldi
(1678 – 1741)

Antonio Vivaldi (4 de marzo de 1678 - 28 de julio de 1741) fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía. Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros,Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.



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